Six Feet Under

Six Feet Under é uma série criada por Alan Ball, e conta a história da família Fisher que possui uma funerária. À primeira vista a trama pode até parecer bem simples, mas esse é apenas o pano de fundo para uma história muito mais complexa, que envolve além do tema central que é como as pessoas encaram a morte, outros temas como homossexualismo, infidelidade, religião, depressão, família, entre outros. A série teve uma boa recepção por parte da crítica e ao longo de suas cinco temporadas recebeu vários prêmios, incluindo nove Emmys e três Globos de Ouro.

A história tem início quando o pai, Nathaniel Fisher, morre em um acidente de carro e os Fishers se veem sem o chefe de família e fundador da funerária. O filho mais velho de Nathaniel, Nate, que tinha problemas com o pai e morava em outra cidade, volta para casa depois de muitos anos para o funeral do pai. A volta para casa em uma situação tão extrema faz Nate repensar a sua vida e resolver assumir o negócio da família junto com o irmão David, um competente agente funerário e homossexual reprimido, interpretado brilhantemente por Michael C. Hall, do seriado Dexter. Além de ter que lidar com a administração da funerária, Nate também tem de lidar com os outros membros de sua família, a sua mãe Ruth, uma devotada mulher do lar frustrada com a sua vida, e sua irmã mais nova Claire, uma garota sem muito rumo na vida que ele mal conhece. Há ainda outros personagens muito interessantes na série, como a namorada problemática de Nate, Brenda, e o seu irmão psicótico, Billy, além do carismático empregado da família, Rico, e do namorado de David, Keith, um policial negro gay.

Cada episódio da série sempre começa com uma morte e a posterior chegada do cadáver a funerária da família. O interessante é que os irmãos Fisher sempre acabam se identificando de alguma forma com os mortos, e essa relação entre vivos e mortos é muito bem trabalhada no seriado. Há por exemplo, um episódio que a funerária recebe o corpo de um gay que morreu espancado por um grupo de homofóbicos e David acaba ficando com mais medo ainda de se assumir homossexual. Sempre há um paralelo entre o morto do episódio e os personagens vivos.

Outro aspecto bem interessante da série é que apesar de morto, o pai da família Fisher sempre tem uma importante participação na série. Ele aparece para os membros da família Fisher como uma espécie de manifestação do inconsciente deles, conversando com eles sobre os seus conflitos internos e sobre as consequências de sua morte. Os diálogos entre os membros da família e o Sr. Fisher são muito bons, e revelam muito sobre a personalidade dos personagens.

Apesar da série se concentrar nos irmãos Nate e David, as tramas dos personagens secundários também são muito boas. Basicamente todos os personagens da série são muito bem desenvolvidos e possuem um arco completo. A Sra. Fisher, Ruth, começa o seriado como uma ressentida dona de casa, passa por diversas descobertas e transformações e termina a história bem diferente. A filha mais nova da família, Claire, também tem uma trama muito boa, desde o começo em que era uma garota que não sabia o que queria da vida, até o fim da série quando se transforma em uma promissora artista. Até mesmo o empregado da funerária, Rico tem um arco bem trabalhado, ele possui a sua própria história com os seus problemas familiares e também tem uma boa participação no desenvolver da trama principal. Assim como o namorado de Dave, Keith, que a série também mostra os seus problemas com sua família, além da sua relação com o protagonista. Outros personagens como Brenda e Billy também são muito bem trabalhados.

A originalidade de usar um tema tão pesado quanto a morte como pano de fundo para diversos outros temas interessantes, fazem de Six Feet Under uma das melhores séries da história. Some ainda o fato da série ter personagens extremamente reais, repletos de conflitos internos. Temos, portanto, um prato cheio para quem gosta de uma grande história, com uma bela dose de carga dramática.

Os 5+: Christopher Nolan

Reconhecido pelo público e pela crítica como um dos melhores diretores da atualidade, Chistopher Nolan escreveu e dirigiu alguns dos melhores filmes dos últimos anos. O cineasta consegue transitar entre diversos estilos, desde filmes de super-heróis até ficções científicas, mas sempre com um alto teor filosófico.

Confira abaixo quais são na nossa opinião os cinco melhores trabalhos do diretor:

5° O Grande Truque

Lançado em 2006, o filme se passa no final do século XIX e conta a história da rivalidade entre dois mágicos (Cristian Bale e Hugh Jackman) que buscam incessantemente superar um ao outro.

O filme tem um grande elenco, que também conta com Scarlett Johanson, Michael Caine, David Bowie e Andy Serkis. Sem falar no visual do longa que é incrível, tanto é que concorreu ao Oscar nas categorias Melhor Fotografia e Melhor Direção de Arte.

O filme tem de quebra um final surpreendente com um grande plot twist.

Trailer do filme:

4° Batman: Cavaleiro das Trevas

Sempre presente nas listas de melhores filmes de super-heróis da história, Batman: Cavaleiro das Trevas é um clássico do gênero. O filme vai além de ser apenas um blockbuster, tendo uma profundidade raramente encontrada em longas de heróis. O coringa psicopata de Heath Ledger marcou época e é possivelmente o melhor vilão do cinema baseado em HQs.

A recepção da crítica foi tão boa que o filme foi indicado a incríveis 8 Oscars, tendo vencido em 2 categorias, Melhor Edição de Som e Melhor Ator Coadjuvante. Heath Ledger ainda venceu o Globo de Ouro, o SAG e o BAFTA pela sua grande atuação como o palhaço de Gotham.

Trailer do filme:

3° A Origem

Lançado em 2010, A Origem conta a história de um grupo especializado em invadir o sonho das pessoas para extrair informações dos seus inconscientes. No entanto, o grupo é contratado para uma inédita e arriscada missão, plantar uma ideia na mente de uma pessoa.

O enredo inovador e os efeitos visuais de encher os olhos fizeram do filme um grande sucesso de crítica e público, arrecadando mais de 800 milhões de dólares em todo o mundo e tendo sido indicado e vencido várias premiações. Assim como Cavaleiro das Trevas o longa foi indicado a 8 Oscars, só que dessa vez venceu em 4 categorias: Melhor Fotografia, Efeitos Visuais, Edição de Som e Mixagem de Som.

O filme ainda conta com um elenco estrelado, como Leonardo DiCaprio, Michael Caine, Joseph Gordon-Levitt, Elen Page, Marrion Cotilard e Ken Watanabe.

Trailer do filme:

2° Interestelar

Lançado em 2014, Interestelar é um dos filmes de ficção científica com um dos melhores embasamentos em física da história do cinema. Aqui não vemos barulhos no espaço ou outras blasfêmias científicas, apesar da história mirabolante de viagem no tempo tudo é plausível segundo teorias científicas.

O longa protagonizado por Matthew McConaughey, conta uma história que se passa em um futuro onde pragas nas plantações levaram a humanidade a viver em uma sociedade  agrária, inclusive o personagem principal é um ex astronauta que agora trabalha como fazendeiro. No entanto, alguns acontecimentos levam a Nasa a enviar o protagonista e uma equipe de astronautas para explorar outros planetas com o intuito de buscar um lugar habitável para os terráqueos.

Some essa boa dose de ficção científica a uma bela pitada de cenas emocionantes e comoventes, temos portanto um dos melhores trabalhos de Nolan e um dos melhores filmes dos últimos anos. Como reconhecimento da crítica o longa recebeu 5 indicações ao Oscar, tendo ganhado na categoria Efeitos Especiais.

Trailer do filme:

1° Amnésia

O filme foi o primeiro grande sucesso da carreira de Nolan e o alçou de vez ao estrelato. Lançado em 2000, o longa foi inspirado em um conto escrito pelo irmão do diretor, Jhonatan Nolan, e possui um dos melhores roteiros da história do cinema. No filme somos apresentados a Leonard Shelby, um homem que sofre com perdas de memória recente e que busca descobrir quem matou a sua mulher, o detalhe é que a história é contada de trás para frente. Com uma narrativa não-linear muito bem construída a história começa pelo fim e acaba no começo, onde o expectador descobre toda a verdade sobre o mistério do filme.

O filme foi muito bem recebido pela crítica e foi indicado ao Oscar em 2 categorias: Melhor Roteiro Original e Melhor Edição.

Trailer do Filme:

Era Uma Vez Na América

Era uma Vez na América é um dos maiores filmes de máfia de todos os tempos, e com certeza o mais artístico do gênero. Lançado nos EUA em 1984, o filme foi dirigido pelo grande diretor italiano Sergio Leone, famoso por seus  westerns, e estrelado por Robert De Niro. O longa conta a história de um grupo de garotos judeus que crescem praticando pequenos crimes, e com o passar do tempo se tornam gângsters ao se envolverem com o tráfico de bebidas em pleno período da Lei Seca.

A história é contada através de uma narrativa não linear. Começa com o jovem Noodles, De Niro, fugindo da cidade após ser jurado de morte, e depois vai se alternando entre contar o passado, época de infância dos garotos, e o presente, a volta de um Noodles já velho a cidade. Essas três narrativas se complementam muito bem na história, criando uma expectativa em torno dos motivos que levaram Noodles a se tornar um mafioso e posteriormente o que o fez fugir.

O fato do filme contar a história de Noodles e seus amigos desde a época de criança até a velhice confere um ar grandioso ao filme. Os garotos crescem e se desenvolvem na trama ao mesmo tempo em que a própria máfia nos EUA. Os gangsters americanos surgiram na época da Lei Seca com o tráfico de bebidas, o próprio Al Capone foi um deles. O filme se passa nesse “Período de Ouro” do crime organizado nos EUA. Portanto, Era uma Vez na América é de certa forma um tratado sobre o desenvolvimento das organizações criminosas na américa, um verdadeiro épico da máfia.

Quanto a direção de Sergio Leone, esta é simplesmente incrível. É impressionante como o diretor consegue em alguns momentos contar a história apenas com imagens, os 30 primeiros minutos do filme não têm quase nenhuma fala e mesmo assim o diretor te ambienta totalmente na história. A cena do Noodles jovem olhando no espelho e depois aparecendo seu reflexo já velho ao som de Yesterday dos Beatles é umas das mais belas e inteligentes cenas do cinema, tudo se encaixa, trilha sonora e imagem se completam perfeitamente. Some ainda a trilha sonora do grande Ennio Morricone, que venceu o Oscar de melhor canção original em 2016 por Os Oito Odiados, e foi indicado pela academia inúmeras vezes. Temos, portanto, em Era Uma Vez na América uma verdadeira obra de arte da história do cinema, que deve ser admirada e contemplada.

No entanto, para se assistir ao longa e admirar a sua beleza é necessário um pouco de paciência do expectador. O filme peca um pouco pela sua longa duração, quase quatro horas. Por ser uma narrativa quase que épica é necessário um tempo maior para contar a história, no entanto, Era Uma Vez na América possui alguns trechos que não são tão importantes para a trama, principalmente na parte final. Além disso, não existem tantas cenas de ação como usualmente vemos em filmes de máfia, o longa preza por contar a história de uma forma mais artística, usando muito as imagens, e com momentos lentos utilizados para o expectador admirar o filme como se admirasse uma pintura. No entanto, apesar desses momentos serem lentos, não são de forma alguma arrastados, existe um propósito claro do diretor com esse tipo de narrativa.

Quanto as atuações, o filme está muito bem servido. A começar por Robert De Niro, que mostra mais uma vez que sabe como ninguém interpretar um mafioso. É impressionante como ele consegue fazer o mesmo personagem jovem e velho, que ao mesmo tempo são tão diferentes e tão iguais. O jovem Noodles é intransigente, sem limites, alucinado, enquanto a sua versão velha é mais contida, amargurada. Apesar da mudança na personalidade do personagem, a interpretação de De Niro convence o expectador que ambas as versões fazem parte de um mesmo personagem, que mudou o seu jeito de encarar a vida depois de um acontecimento marcante.

Outros destaques nas atuações são: Scott Schultzman Tiller no papel do Noodles criança, a jovem Jennifer Connelly no papel de Deborah criança, James Woods, que interpreta o Max adulto, e a sensacional Tuesday Weld, que foi indicada ao Globo de Ouro como atriz coadjuvante pelo papel de Carol.

Concluindo, Era uma Vez na América é um dos maiores clássicos da história do cinema, um épico da máfia que não se destina apenas aos fãs do gênero. Se destina a todos que gostem de um cinema belo, estético e tocante. Em outras palavras, se destina a todos que gostem de cinema em sua forma mais artística.


Confira o trailer do filme:

Deuses Americanos

Lançado em 2001, Deuses Americanos é um livro de fantasia escrito por Neil Gaiman (Sandman). No livro a existência das divindades está atrelada a crença que as pessoas têm nelas, assim como o grau de poder delas depende do quanto são veneradas. Portanto, os deuses existem onde há alguém que acredite neles. Sendo assim, os imigrantes que ajudaram a construir os EUA levaram consigo a divindades das suas respectivas culturas. No entanto, esses deuses antigos trazidos de outros lugares foram perdendo a sua força ao longo do tempo, pois os descendentes desses imigrantes foram perdendo a fé neles a medida em que incorporavam a cultura estadunidense. Com o enfraquecimento das divindades antigas, as pessoas passaram a ter outros tipos de “veneração”, como a adoração à internet e a televisão. Surge então um embate entre os enfraquecidos deuses antigos e os fortalecidos deuses modernos, é em torno desse conflito que a história do livro gira.

O protagonista da trama é um homem chamado Shadow, que ao sair da cadeia acaba aceitando o emprego de um mistério velho conhecido como Wednesday. Mais tarde Shadow acaba descobrindo que o seu patrão na verdade é o deus nórdico Odin, e que ele o contratou para ajudá-lo em uma jornada afim de reunir as divindades antigas com o objetivo de destruir os novos deuses e assim restaurar o poder que tiveram no passado.

Ao longo da história são apresentados personagens interessantíssimos, como por exemplo os deuses novos das tecnologias modernas, e também as divindades antigas de diversas culturas, desde as europeias até as africanas. Esse é o ponto alto do livro, Neil Gaiman sabe muito bem criar e desenvolver seres divinos e míticos, assim como já havia mostrado anteriormente em Sandman. O escritor inglês mergulha profundamente na essência e no simbolismo de cada deus, e baseado nisso faz um belo exercício de imaginar como esses deuses seriam se vivessem entre os humanos. O deus egípcio dos mortos, Anúbis, tem uma funerária, enquanto que a Rainha de Sabá encontra na prostituição uma forma de ser adorada.

De modo geral, pode se entender Deuses Americanos como uma grande metáfora sobre a imigração. Ao se mudarem para um novo local as pessoas carregam com si uma série de valores e crenças de suas culturas, no entanto, ao se mudarem para outro lugar a tendência é que essas culturas venham a desaparecer com o tempo, uma vez que ocorre um processo natural de adaptação a cultura local. Essa é uma camada mais profunda do livro, que não fica tão aparente à primeira vista, mas que contribui para enriquecer ainda mais a obra.

Por fim, foi divulgado recentemente que uma série sobre o livro está sendo produzida. Há um tempo atrás a HBO adquiriu os direitos, mas depois de muitos anos de pré-produção a série acabou não indo para frente e a emissora americana decidiu desistir do projeto. A boa notícia é que em 2014 o canal Starz (conhecido pela série Spartacus), comprou os direitos do livro e já começou em 2016 as filmagens.

Concluindo, Deuses Americanos é um excelente livro de fantasia, tanto é que venceu os prêmios Hugo e Nebula de melhor livro de Ficção/Fantasia. No entanto, a obra de Gaiman não agrada somente os amantes do gênero fantástico, quem gosta de livros que abordem a questão cultural dos povos também vai gostar. O livro vai além do seu próprio gênero, e se destina a todos que gostem de uma boa história, com personagens interessantes e bem trabalhados.

Pi

Dirigido pelo mesmo diretor de Cisne Negro e Réquiem para um Sonho( Darren Aronofsky), o filme de 1998 conta a história do gênio da matemática Max Cohen, e da sua busca obsessiva por um padrão matemático universal que explicaria diversos acontecimentos do mundo.

Pi foi o primeiro longa do diretor. E logo na sua estreia Aronofsky já demostrou qual seria a sua marca registrada ao longo da carreira, filmes densos e profundos que mostram muito bem a complexidade da mente humana. Em Pi o cineasta trabalha muito bem a angustia e a obsessão do protagonista em busca da resolução do seu problema matemático, e do consequente sofrimento que isto acarreta ao mesmo.

Para construir essa narrativa pesada e colocar o expectador no lugar do matemático, o diretor utiliza de alguns artifícios cinematográficos. Primeiramente o filme é filmado em preto e branco, recurso que dá um ar mais cru e sombrio à história, assim como Scorsese já havia feito em 1980 no filme Touro Indomável. Outro recurso interessante usado em Pi é o hip hop montage, técnica que utiliza cortes extremamente rápidos em close, acompanhados de efeitos sonoros. Esta técnica ajuda a dar um ritmo mais acerado ao filme, que faz com que o expectador fique mais agitado, assim como o protagonista da história. Por fim, a trilha sonora também tem um papel importante nessa ambientação, por ser aguda e de certa forma desesperadora. Estes recursos utilizados por Aronofsky de forma mais experimental em Pi seriam utilizados em uma escala muito maior em seu trabalho posterior, Réquiem para um Sonho de 2000.

Como já citado anteriormente, o diretor sabe muito bem abordar a mente humana. Aronofsky mostra um certo conhecimento de psicanálise em seus filmes. Em Pi não é diferente. As cenas no metrô são um simbolismo para o inconsciente do protagonista. Assim como o metrô que fica em baixo da terra, escondido da superfície, o inconsciente segundo a psicanalise fica em uma camada mais profunda da mente humana, escondido da nossa consciência. Sabendo disso, o diretor usa as cenas no metrô para mostrar o inconsciente de Max, através de situações aparentemente absurdas, porém recheadas de simbolismo, igual a um sonho. São mostradas metáforas muito interessantes sobre o que se passa na cabeça do personagem.

Resumindo, Pi não é um filme fácil de ser assistido, exige reflexão. Fato que torna o longa ainda mais interessante. O suspense criado ao redor da busca de Max pelo padrão universal, consegue prender muito bem a atenção do expectador. Ao mesmo tempo em que queremos descobrir o segredo, sentimos na pele o sofrimento do protagonista. Aronofsky sabe criar muito bem sensações, narrativas densas e mergulhar na psique humana. Se você gosta desses elementos em um filme, Pi é uma ótima pedida!

Confira o trailer do filme:

Batman: O Cavaleiro das Trevas

Nesta clássica HQ escrita por Frank Miler em 1986, é contada a história de um Batman já velho e aposentado, que decide voltar à ativa depois uma onda de crimes em Gothan City. Bruce Wayne está amargurado pela morte do Robin e a Liga da Justiça já não existe mais, mesmo assim o "idoso" homem morcego decide voltar a cena.

Esse arco revolucionou as histórias em quadrinhos por ser um dos primeiros a ter uma abordagem mais adulta dos super-heróis. Temas como violência urbana, direitos humanos e política internacional são muito bem trabalhados por Frank Miller. As cenas do noticiário debatendo a legitimidade das ações do Batman são excelentes, e mostram muito bem essas questões polêmicas.

Em Cavaleiro das Trevas, o Batman age muito mais à margem da lei, ele é impiedoso, não tem limites, chegando até a matar. Bruce Wayne já sofreu muitos desapontamentos durante a vida e portanto, não se importa tanto em seguir a regras da sociedade. O Batman de Ben Afleck se inspirou muito no de Frank Miller.

Por fim, há o grande embate entre os dois maiores heróis da DC Comics, Batman Vs Superman. O homen de aço é na história uma espécie de “capanga” do governo americano, e quando o presidente dos EUA pede para ele combater o Batman, Clark decide seguir a ordem do seu superior em detrimento da velha amizade com o morcego. A luta entre os dois é sensacional, com direito ao Batman lutando de armadura e dando uma bela surra no Superman. O filme de Zack Snyder se baseou muito no Cavaleiro das Trevas, especialmente nas cenas de combate entre os heróis. Portanto, se você gostou do filme e tem curiosidade de conhecer melhor o seu principal material fonte, O Cavaleiro das Trevas de Frank Miller é uma ótima pedida!

Better Call Saul: 2° Temporada (SEM SPOILERS)

Vince Gilligan mostra novamente que é mestre em desenvolver personagens. Assim como fez em Breaking Bad, em Better Call Saul ele faz isso muito bem. A narrativa lenta é necessária para desenvolver e contar a origem dos protagonistas Jimmy e Mike. No entanto, senti falta de um pouco mais de ação, de grandes acontecimentos, mas o ritmo lento é compreensível para o desenrolar da trama. Nesta 2° temporada vemos um embrião do Saul Goodman e do Mike que conhecemos em Breaking Bad. Ambos tentam ir contra a sua natureza, mas vão aos poucos a incorporando. Tudo leva a crer que na 3° temporada serão mostrados o Saul picareta e o Mike bad ass que nos acostumamos a ver em Breaking Bad.

Se na 1° temporada vimos um Jimmy McGill que começa malandro e depois vai tentando se ajustar a sociedade, na 2° temporada temos o caminho inverso. Tirando a recaída do hotel nos primeiros episódios, o protagonista começa essa temporada com o emprego dos sonhos de qualquer advogado, e ele realmente tenta se encaixar na sua vida “certinha”, mas algo está errado, ele não quer viver assim, essa não é sua natureza. Aos poucos o expectador vai percebendo o surgimento do Saul Goodman, o episódio 7 mostra bem isso, quando o personagem aparece pela primeira vez usando os seus característicos trajes sociais coloridos e extravagantes.

O arco do personagem Mike tem uma estrutura parecida com a de Jimmy. Assim como o protagonista, Mike também tem uma natureza que ele tenta renegar, mas vai aos poucos a assumindo de vez. Se no caso de Jimmy a essência do personagem é a malandragem, no caso de Mike o seu talento é como criminoso. Apesar do personagem tentar se adaptar a uma vida pacata como avô e com um emprego comum, ele aos poucos vai deixando o seu “lado negro” transparecer cada vez mais. Ele pode até dar a desculpa que está fazendo tudo isso pela família, mas a verdade é que Mike sente um certo prazer fazendo estas atividades criminosas. Vemos uma semelhança com o personagem Walter White de Breaking Bad, que sempre falava que fabricava droga para ganhar dinheiro e que pararia quando ganhasse uma certa quantia, mas que na verdade estava envolvido com aquilo por uma mera razão de vaidade.

Os personagens secundários também foram bem desenvolvidos nessa temporada. Com destaque para Kim Wexler e Charles McGill, que tem as suas motivações mais transparecidas nesta 2° temporada. A primeira gosta de " brincar" de malandra às vezes, (como vemos na cena do golpe no hotel) talvez seja por isso que ela se sinta atraída por Jimmy, no entanto ela se mantém fiel aos seus princípios morais mesmo estando com junto com ele. Charles por sua vez, apesar de ser bem-sucedido profissionalmente sente uma inveja doentia do irmão, e faz de tudo para atrapalhá-lo. No último episódio é mostrado claramente o motivo de toda essa inveja.

Outro ponto que a série continua competente é na inserção de personagens do universo de Breaking Bad. Se na primeira temporada o traficante Tuco foi apresentado, no segundo ano da série fomos introduzidos ao tio do criminoso, o grande Hector Salamanca. A tendência é que cada vez mais esses personagens de Breaking Bad aparecam na série (Vince Gilligan disse que a dupla Walter White e Jesse Pinkman pode aparecer em algum momento na série).

Quanto ao roteiro, direção e fotografia, a série continua muito boa. O roteiro é muito bem amarrado, não existem grandes reviravoltas, mas os personagens são bem trabalhados. O visual continua muito bom, a fotografia é belíssima, principalmente as cenas no deserto, e o ar setentista da séria continua muito bem afiado (a vinheta de abertura, o figurino e a caracterização de Jimmy dão essa cara charmosa dos anos 70)

Por fim, se faltou ação nessa temporada sobrou desenvolvimento dos personagens. Tudo leva a crer que uma vez estabelecida a origem dos protagonistas, na 3° temporada teremos a consolidação do Saul e do Mike de Breaking Bad. Sem tanta necessidade de focar nos dramas dos mesmos, a ação e os grandes acontecimentos devem predominar nas próximas temporadas, assim como ocorreu na série que deu origem ao Spin Off.

Os 5+: Filmes de Quentin Tarantino

Conhecido pelos seus diálogos incríveis e pelo uso de uma violência que de tão absurda se torna até cômica, Quentin Tarantino é sem dúvida um dos melhores diretores de cinema atualmente. O cineasta já venceu  inúmeros prêmios, como por exemplo 2 Oscars, 2 Globos de Ouro, 2 BAFTAS e uma Palma de Ouro de Cannes

Diante de tantos grandes filmes, a tarefa de escolher Os 5+ do diretor não foi nada fácil. Mesmo assim aceitamos o desafio e fizemos a nossa lista dos melhores de Tarantino.

5° Kill Bill Volume 1 e 2

Inicialmente pensado para ser apenas um filme, Kill Bill acabou sendo separado em dois volumes devido a longa duração que o filme havia ficado, aproximadamente 4 horas. Por isso preferimos analisar os filmes conjuntamente.

Os longas contam a história de Beatrix Kiddo, conhecida como a “noiva”, que busca se vingar daqueles que tentaram assassina-lá. Os filmes contam com uma série de referências a cultura pop, como filmes de artes marciais asiáticos (O traje da protagonista é inspirado em um filme de Bruce Lee) e faroestes italianos. Sem falar da característica “violência tarantinesca”, que em Kill Bill é levada as mais elevadas proporções.

Confira abaixo o Trailer do volume 1:

4° Django Livre

Lançado em 2012, Django Livre foi um dos filmes do diretor mais aclamados pela crítica. O longa venceu 2 Oscars, Melhor Roteiro Original e Melhor Ator Coadjuvante, Cristopher Waltz.

O filme conta a história de Django, um escravo que é comprado por um caçador de recompensa alemão que promete libertá-lo após ele ajuda-lo em uma missão. A trama bem desenvolvida somada ao grande elenco, Jamie Foxx, Samuel L. Jackson, Cristopher Waltz e Leonardo de DiCaprio, fizeram do filme um dos maiores sucessos da carreira do diretor.

 Confira abaixo o Trailer.

3° Cães de Aluguel

Primeiro filme da carreira de Tarantino, Cães de Aluguel foi lançado em 1992, e apesar de não ter sido um sucesso na época, ganhou ares de grande filme após o grande êxito de Pulp Fiction.

A história gira em torno dos eventos posteriores a um roubo malsucedido efetuado por um grupo de ladrões que não se conhecem, e se referem um ao outro pelo nome de cores. No seu trabalho de estreia o diretor já deu mostras das suas características marcantes, a violência e o diálogos. Em Cães de Aluguel os diálogos predominam sobre a violência, sendo um dos filmes do diretor com melhores diálogos (o diálogo em que os bandidos conversam sobre a música Like a Virgin da Madona  é sensacional).

Confira abaixo o trailer do filme:

2° Bastardos Inglórios

O filme de 2009 conta a história de um grupo de soldados judeus americanos e de uma judia francesa que planejam assassinar nazistas na segunda guerra mundial.

O longa foi um grande sucesso de público e crítica, tendo arrecadado 320 milhões de dólares e recebido vários prêmios. O filme apresentou para o grande público o ator austríaco Cristopher Waltz, que venceu como Melhor Ator Coadjuvante o Oscar, Globo de Ouro, BAFTA e Festival de Cannes.

Confira abaixo o trailer do filme:

https://www.youtube.com/watch?v=-2cRY4p7KIk

1° Pulp Fiction

Lançado em 1994, o filme conta três histórias diferentes que acabam se juntando posteriormente. 2 assassinos profissionais, o gângster que os chefia e sua esposa, um boxeador pago para perder uma luta e um casal assaltando um restaurante. A narrativa extremamente original e a violência absurda marcaram a história do cinema e fizeram de Pulp Fiction um clássico.

O filme ganhou vários prêmios, incluindo uma Palma de Ouro de Cannes e 7 indicações ao Oscar, tendo ganhado na categoria de Melhor Roteiro Original. O longa catapultou as carreiras de Samuel L. Jackson e Uma Thurman, que foram indicados ao Oscar como melhor ator e atriz coadjuvantes, além de ter trazido de volta aos holofotes o ator John Travolta, indicado como melhor ator.

Além dos prêmios e dos elogios da crítica, O que torna Pulp Fiction um dos maiores clássicos da história do cinema é a sua herança para a cultura pop. Diálogos tão marcantes como o de Samuel L. Jackson citando Ezequiel antes de cometer um assassinato e cenas tão marcantes como a dança de Uma Thurman e John Travolta tornaram o filme tão inesquecível. Por isso Pulp Fiction é o maior filme de Quentin Tarantino!

Confira abaixo o trailer do filme:

Filme x Livro: Clube da Luta

Escrito por Chuck Palahniuk em 1996, o livro Clube da Luta foi um grande sucesso de crítica, tendo vencido os prêmios Pacific Northwest Booksellers Award e o Oregon Book Award de melhor livro do ano nos EUA. Tanto sucesso motivou o estúdio Fox a comprar os direitos para fazer um filme, e em 1999 foi lançado o longa-metragem dirigido por David Fincher e estrelado por Edward Norton, Brad Pitt e Helena Bonham Carter. Curiosamente o filme foi um fracasso de bilheteria, e só atingiu o status de "cult " anos depois com o lançamento do DVD.

A adaptação de Fincher para o cinema foi extremamente fiel ao livro, chegando a ter passagens identicas a obra literária. O Tom sombrio, de humor negro e anárquico foi mantido e os atores foram muito bem escolhidos para os papéis principais. Edward Norton personifica muito bem o narrador descontente com a sua "vidinha normal", sua cara de bom moço se encaixa muito com o personagem. Brad Pitt por sua vez é perfeito para o papel de Tyler Durden, personificando bem o cara descolado e ideal de masculinidade. Há uma passagem do livro que parece estar descrevendo o próprio ator: “Tyler está em pé ali, belo, perfeito, um anjo loiro da cabeça ao pés”. Por fim, a personagem de Marla Singer parece ter sido escrita especialmente para a atriz Helena Bonham Carter, ambas possuem um ar meio dark e esquisito. Palahniuk descreve Marla no livro com: " Cabelos curtos pretos desgrenhados, olhos grandes iguais aos de um desenho japonês, branca como leite aguado", uma descrição perfeita da atriz.

Apesar da grande semelhança entre livro e filme, existem algumas pequenas diferenças. No livro por exemplo, existem muito mais descrições das "receitas bizarras ", como por exemplo fazer napalm com suco de laranja ou explodir um computador furando o monitor com furadeira e enchendo o buraco com gasolina. Não que o filme não aproveite isso, ele usa bastante dessas descrições, no entanto em uma escala muito menor quando comparado ao livro. O motivo é simples, enquanto o livro tem mais de duzentas páginas, o filme tem pouco mais de duas horas. Então não dá para fazer tantas descrições como no livro, é uma limitação da linguagem cinematográfica. No entanto, o filme surpreende ao conseguir aproveitar tantos elementos do livro de uma forma muito interessante.

Outra diferença entre livro e filme são as pistas que ambos dão sobre o narrador e Tyler serem a mesma pessoa. Enquanto que no filme são dadas poucas pistas, no livro elas são mostradas quase que em todos os capítulos. Novamente, essa diferença é motivada pelo fato de serem mídias distintas e consequentemente terem linguagens distintas. Não é possível ao diretor dar tantas pistas e ao mesmo tempo manter o suspense do filme, enquanto que no livro apesar de serem dados mais indícios, é preciso uma leitura mais atenta ou até uma releitura para perceber essas pistas.

A maior diferença entre filme e livro fica por conta dos finais de cada um. Não vou revelar o final do livro, para evitar spoilers de quem ainda não leu, mas o que posso dizer é que o fim da obra literária é mais alongado que o fim do filme. Enquanto que o filme termina com a cena de Tyler e Marla assistindo a explosão dos prédios, no livro há uma cena posterior a essa. O que posso revelar é que a história do livro termina de uma maneira mais melancólica, enquanto que no filme o final é mais grandioso e hollywoodiano. Eu particularmente gostei de ambos os finais, mas confesso que prefiro o do livro.

Resumindo a análise, o filme é uma grande obra porque se parece muito com o livro. Apesar das pequenas diferenças, que não comprometem de forma alguma o longa, David Fincher conseguiu com maestria traduzir Chuck Palahniuk para o cinema. A preservação do tom característico do escritor fez com que o filme chocasse Holiwood e o grande público, mas chocasse divertindo, com uma crítica inteligente à sociedade, e transformou Clube da Luta em um verdadeiro clássico.